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Notas

Revista Argentina de Musicología

La Revista Argentina de Musicología informa que continua abierta la recepción de artículos y reseñas. La Revista Argentina de Musicología es la publicación científica oficial de la Asociación Argentina de Musicología. Comenzó a editarse en el año 1996 y su periodicidad ha sido mayormente anual. A partir del número doble 12-13 (2012) incluye un dossier temático cuyos participantes son convocados por el editor designado. Desde el año 2019 su periodicidad es semestral.

Si bien consideramos que el actual momento internacional está provocando cambios sustanciales en las relaciones humanas, políticas y económicas, entendemos que es importante seguir con nuestra actividad (la musicología) y continuar realizando aportes a la disciplina.

 
 

Revista Argentina de Musicología

http://ojs.aamusicologia.org.ar/index.php/ram/

Congreso Argentino de Musicología

Tercera Circular

La Asociación Argentina de Musicología y el Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega” anuncian la realización del Congreso Argentino de Musicología 2020 (XXIV Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega”), que tendrá lugar en la ciudad de Córdoba, co-organizado con la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba, entre los días 12 y 15 de agosto de 2020.

Esta edición ha elegido una nueva denominación que subsume y abrevia los títulos de las anteriores, manteniendo la numeración correspondiente a los eventos propuestos por cada una de las instituciones que se reúnen tradicionalmente para realizar un congreso de musicología bienal, lo que demuestran la proyección y permanencia de estas reuniones científicas.

Para esta oportunidad han confirmado su participación como conferencistas la Dra. Pilar Ramos (Universidad de La Rioja, España) y el Dr. Luis Ferreira (Universidad Nacional de San Martín).

Presentación de propuestas

Se aceptarán tres tipos de propuestas: ponencias, ponencias de investigadores en formación y mesas temáticas. La fecha límite para la entrega de todas las propuestas es el 08 de marzo de 2020 y deberán enviarse por correo electrónico a la siguiente dirección: congresoargentinomusicologia@gmail.com.

Las propuestas se ceñirán a las siguientes especificaciones:

  • Los idiomas oficiales son el español y el portugués.
  • Solo se aceptarán propuestas de trabajos de investigación musicológica que sean originales, inéditos y no leídos en otros congresos. Estos serán expuestos, sin excepción, por los propios autores.
  • Las ponencias pueden ser individuales o en coautoría de solo dos autores.
  • Los investigadores podrán enviar una sola propuesta individual o en coautoría o en una mesa temática.
  • Ponencias: los investigadores deberán indicar nombre(s) del autor/a(es/as), filiación académica, dirección postal, dirección de e-mail, título de la presentación, resumen (entre 400 y 500 palabras) con una bibliografía de hasta diez entradas, curriculum vitae de hasta 150 palabras y requerimientos audiovisuales. El resumen dará cuenta del tema a desarrollar, el estado actual de la cuestión, el marco teórico, la metodología y los nuevos aportes que brinda el trabajo. Las ponencias dispondrán de 20 minutos de exposición.
  • Investigadores en formación (IF): quienes deseen participar en esta categoría deberán indicarlo expresamente, completar los mismos requerimientos para ponencias y, además, entregar el texto completo del trabajo (entre 2200 y 2600 palabras, sin contar la bibliografía).
  • Mesas temáticas: estarán conformadas por tres panelistas y un interpelador. Uno de sus miembros asumirá la coordinación de la mesa. Además de los requerimientos especificados en la categoría “Ponencias”, la coordinadora o el coordinador deberá enviar un único resumen (entre 500 a 600 palabras) en el que dará cuenta de la temática a abordar. No se solicita resumen de cada uno de los trabajos incluidos en la mesa. Cada ponencia dispondrá de 20 minutos de exposición, y el interpelador contará con 10 minutos luego de la exposición de los participantes de la mesa.

El Comité de Lectura está integrado por el Dr. Cristian Guerra, la Dra. Juliana Guerrero y el Dr. Martín Liut. La decisión del Comité será inapelable.

La aceptación de las propuestas se dará a conocer el 18 de mayo.

La participación de los ponentes en el congreso se confirmará mediante el pago de la inscripción un mes antes del congreso.

Inscripción

La inscripción deberá efectuarse un mes antes del inicio de las actividades mediante pago por transferencia. Los aranceles serán de $ 2500 para expositores no socios/as AAM ni docentes de la Facultad de Artes de la UNC, $ 1800 para los docentes de la mencionada Facultad (no socios AAM), $ 1500 para expositores socios y socias que hayan cancelado la cuota anual 2020, y $ 500 para los estudiantes de grado expositores.

Para los asistentes que requieran certificado, los aranceles serán: $ 600 para los profesionales y $ 300 para los profesionales socios/as AAM con cuota 2020 cancelada. Los socios y socias estudiantiles AAM quedarán exceptuados del pago, así como los estudiantes de grado de la Facultad de Artes de la UNC. Otros estudiantes de grado asistente abonarán $ 300. Cualquier situación no prevista en la presente convocatoria será resuelta por la Comisión Organizadora. La presentación implica la aceptación de las pautas de esta convocatoria.

La transferencia deberá efectuarse a la siguiente cuenta del Banco Francés:

Caja de Ahorros $ 182-321615/7

CBU N° 0170182740000032161575

Titular de la cuenta: DEZILLIO ROMINA

CUIL/CUIT/CDI : 27255586640

Inmediatamente se deberá enviar un mail a tesorería@aamusicologia.org.ar e informar el pago realizado adjuntando el recibo correspondiente.

Páginas web:

Notificamos que a partir de la presente circular la información se brindará mediante la página web del congreso:

congresoargentinomusicologia.wordpress.com

Las páginas web de las instituciones organizadoras son:

https://inmcv.gob.ar

http://aamusicologia.org.ar/

http://www.fba.unlp.edu.ar/webActual/index.html

Correo electrónico:

congresoargentinomusicologia@gmail.com

Coordinadores:

Leandro Flores (Director disciplinar del Departamento de Música de la Facultad de Artes de la UNC)

Hernán Gabriel Vázquez (Director del Instituto Nacional de Musicología «Carlos Vega»)

Diego Madoery (Presidente de la Asociación Argentina de Musicología)

 

Comisión Organizadora:

Myriam Kitroser y Cecilia Argüello (FdeA UNC)

Lisa Di Cione y Omar García Brunelli (INMCV)

Silvina Argüello y Guillermo Dellmans (AAM)

AAM Sociales 2019

Cada mes de diciembre solemos hacer un repaso de los acontecimientos más destacados del año, los especiales, los que se salieron de la rutina.

 

Desde la CD de la Asociación hemos querido reunir en un sólo documento la información respecto de tres actividades significativas para el desarrollo profesional de nuestros socios/as y de la disciplina que nos aglutina. Nos referimos a Tesis de doctorado defendidas, Libros publicados y Premios o Reconocimientos a la labor desempeñada en el campo de la musicología. Seguramente habrá muchos otros logros, pero hemos acordado circunscribirnos a estos tres.

 

Como es probable que se nos escape alguna información en este sentido, y dado que podemos actualizarla en la página de la AAM, les solicitamos que nos hagan conocer las omisiones para subir la información a la página web.

 

NUEVOS SOCIOS y SOCIAS

 

Cristian Accattoli (activo)

Christian Sordelli (activo)

Rosa Chalkho (activa)

Marina Carrillo (activa)

Andrés Serafini (activo)

Julián Delgado (activo)

Natalia Montoya (estudiante)

 

SOCIAS QUE DEFENDIERON SUS TESIS DE POSGRADO

 

Berenice Corti: “Ser lo que se puede, poder lo que no se es. Cuerpo y performance en el jazz argentino”, Facultad de Ciencias Sociales, UBA. Director: Dr. Luis Ferreira Makl. Jurados: María Julia Carozzi, Sergio Pujol, Víctor Lernarduzzi.

 

Silvina Argüello: “Del vals europeo al vals criollo interpretado en la ciudad de Córdoba durante las décadas 1970 y 1980”. Facultad de Artes, UNC. Director: Leonardo Wasiman; Codirector: Juan Pablo González. Jurado: Irma Ruiz, Mónica Gudemos y Claudio Díaz.

 

SOCIOS y SOCIAS QUE PUBLICARON LIBROS

 

Martín Liut y Abel Gilbert (compiladores): Las mil y una vida de las cancionesGourmet Musical Ediciones, 2019.

 

Leonardo Waisman: Una historia de la música colonial hispanoamericana. Gourmet Musical ediciones, 2019.

 

Omar Corrado (compilador): Recorridos. Diez estudios sobre música culta argentina de los siglos XX y XXI. FILO: UBA, 2019. Varios socios/as escribieron capítulos en este libro: Silvina Luz Mansilla, Melanie Plesch, Guillermo Dellmans, Pablo Martínez y Martín Liut.

 

Gerardo Guzmán (compilador): Malambo, truculencia y legado: apuntes para el análisis de la obra de Alberto Ginastera. Silvina Luz Mansilla … [et al.], compilado por Gerardo Guzman ; prólogo de Esteban Buch. – 1a ed revisada. – La Plata : Ediciones Gilardo Gilardi, 2019. Libro digital, PDF Archivo Digital: descarga y online ISBN 978-987-46231-1-9. Contiene artículos de varios socios/as: Silvina Luz Mansilla, Mariana Signorelli, Omar García Brunelli, Silvia Lobato, Hernán G. Vázquez y Gerardo Guzman.

 

SOCIOS y SOCIAS QUE RECIBIERON DISTINCIONES, PREMIOS, RECONOCIMIENTOS

 

Leonardo Waisman: Konex de Platino 2019 como musicólogo.

 

Enrique Cámara, Omar Corrado (no es socio de AAM), Fátima Graciela Musri, Irma Ruiz y Leonardo Waisman: Diploma al Mérito en Musicología otorgado por la Fundación Konex.

 

Juliana Guerrero. Diploma de aprobación del “Programa de Posdoctorado en Ciencias Humanas y Sociales”,  otorgado por la Secretaría de Posgrado de la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA.

 

Gourmet Musical Ediciones (Leandro Donozo y equipo): reconocimiento de la Fundación Konex como hecho destacado por su contribución a la Musicología.

 

Juan Pablo Páez: Premio Konex 2019: Hechos destacados. Juan Pablo Páez es el máximo responsable de «Festival Internacional Música Clásica por los Caminos del Vino», Ciudad de Mendoza.

 

Angélica Adorni. Renovación de beca Ubacyt de Doctorado hasta septiembre 2021. El proyecto de investigación que dirige Silvina Mansilla aborda la canción popular litoraleña en la década de 1960 y está radicado en el Instituto de Artes del Espectáculo (FFyL – UBA).

 

Adriana Cerletti. Designada miembro del Outreach with Latin American del Executive board de la ICTM (International Coucil for Traditional Music). La misión de este Comité es fortalecer los lazos con investigadores de la región de Latinoamérica y el Caribe dentro del marco de esta prestigiosa institución.

 

Clarisa Pedrotti. Obtuvo una Beca interna Posdoctoral de CONICET, otorgada en la Convocatoria 2018 para el período 2019-2021.

 

Rosa Chalkho. Beca de investigación UBACYT para culminación de doctorado otorgada por la Secretaría de Ciencia y Técnica de la Universidad de Buenos Aires (SECYT – UBA). Su tema de tesis es: La música incidental del cine argentino clásico (1933-1945).

 

Valentín Mansilla. Obtuvo una Beca interna Doctoral de CONICET, otorgada en la Convocatoria 2018, por cinco años.

 

Aprobación de Cátedra Libre “Músicas y género: grupo de estudios latinoamericanos”, dependiente del Rectorado de la Universidad Nacional de La Plata (Res. 1635/18),  con el objetivo de visibilizar y compartir las investigaciones existentes y los nuevos proyectos referidos a dicha temática. Participan docentes e investigadoras de universidades nacionales argentinas, chilenas y brasileñas, varias de ellas socias de la AAM (Adriana Cerletti, Angélica Adorni, Mariana Signorelli, Mariana Tsiftsis, Marina Carrillo, Paloma Martín Vidal, Rosa Chalkho y Silvia Lobato).

 

Felicitamos especialmente a los socios y socias  mencionados/as  y a todos los y las colegas de la AAM por el trabajo llevado adelante durante el presente año.

 

Los/las saludamos cordialmente.

 

CD AAM

 

 

Otro sonido de duelo: Falling Out of Time. Estreno del ciclo de canciones de Osvaldo Golijov

Por Lila Fabro

Área de Investigaciones en Artes del Espectáculo y Judeidad,

Instituto de Artes del Espectáculo “Dr. Raúl H. Castagnino”

Facultad de Filosofía y Letras, Universidad de Buenos Aires

 

 

En el año 2000 Osvaldo Golijov, compositor argentino nacido en La Plata, (Argentina) en 1960, y radicado en Estados Unidos desde 1986, estrenó La Pasión según San Marcos en el festival Europaisches Musikfest Stuttgart en Alemania, obra que lo colocó en el centro de la escena musical mundial. La obra termina con un Kaddish –ración del ritual de duelo judío– situado en América Latina, en el que convergen muy diversos textos, idiomas y tradiciones musicales. Diecinueve años después Golijov retoma el espacio de duelo y lo despliega haciendo una obra desde otro enfoque y otro sonido.

 

En una fecha oportuna, noche de una de las celebraciones más populares en América del Norte como es Halloween –celebración de la unión del mundo de los vivos y el reino de los muertos– el pasado 31 de octubre de 2019 se estrenó Falling Out of Time de Osvaldo Golijov. La cita fue en Worcester, Massachusetts en el campus de College of the Holy Cross, universidad en la que el compositor enseña desde 1991, y la interpretación estuvo a cargo del ensamble Silkroad, con el trompetista Dan Brantigan y la cantante venezolana Biella Da Costa, como invitados. En el Brooks Concert Hall, auditorio que cuenta con alrededor de doscientos asientos, y a sala llena, el espacio mismo anticipó y alojó una obra caracterizada por un alto grado de intimidad ya enunciada por la temática.

 

Falling Out of Time es un ciclo de canciones para tres voces, electrónica, cuarteto de cuerdas, kemanché, percusión, pipa, sheng y trompeta, basado en la novela homónima del escritor israelí David Grossman publicada originalmente en hebreo (Nofel mi’hutz la’zman, 2011) y traducida al español como Más allá del tiempo. Escrita parte en prosa, parte obra teatral, y parte poesía, la novela de Grossman explora el dolor parental por los hijos muertos y cómo formas de duelo compartidas llevan a volver a encontrar vida aún en el dolor. En relación con esto, Golijov retoma tanto la temática y los personajes como también el poliestilismo de la poética de Grossman en una obra en la que tanto texto, sonido instrumental y exploración vocal son igualmente protagonistas.

 

Compuesta por tres canciones más un interludio, el ciclo de canciones –al que también podría escucharse como una ópera de cámara –repoetiza la novela del escritor israelí en la diversidad instrumental y en un delicado trabajo sobre los colores y las versatilidades de las voces del contratenor oriundo de Beijing, Wu Tong, la contralto venezolana Biella Da Costa y la soprano de los Países Bajos, Nora Fischer, en pasajes recitados, cantados, gritados, susurrados.

 

En una novela en la cual el argumento es una espiral que se va construyendo sobre los pasos, palabras y convergencias de los personajes en duelo, la obra desarrolla este movimiento in crescendo con recursos anteriormente inexplorados por el compositor como son la inspiración en el estilo del Delta Blues, en el rock y en baladas asiáticas. Aún con elementos pertenecientes al lenguaje compositivo de Golijov como son el poliestilismo, la exploración vocal, su tratamiento de las cuerdas, el multilingüismo –el texto se encuentra en hebreo y en inglés–, el uso de judeolenguas, el énfasis en aspectos rítmicos, la utilización de técnicas extendidas y la inspiración en géneros populares, Falling Out of Time lleva la marca de un sonido diferente en la carrera del compositor: un sonido más visceral, más libre y también más íntimo.

 

En esta obra  se toma la libertad de demorarse, y eso tiene que ver con el tiempo de exploración de los matices de cada instrumento del ensamble, a tal punto que casi todos tienen su momento solista, que trae consigo un lugar de intimidad. Esto habla también de la colaboración entre Golijov y el ensamble Silkroad que hizo el encargo de la obra y que trabajó junto al compositor en talleres desde el 2017 como parte de la residencia artística en College of the Holy Cross, dando como resultado una obra que fue creándose entre el compositor y el ensamble. Otro ejemplo de esta escritura híbrida fue la reescritura nada más y nada menos que del final de la obra el día del estreno con un cambio sustancial respecto al ensayo general veinticuatro horas antes. Explicitado por Golijov luego de la performance, el cambio –sugerido por Johnny Gandelsman, violinista del ensamble– supuso un cierre más dramático con una trágica canción de cuna entonada por Fischer, a diferencia del ensayo en el que la misma había sido sucedida por un final instrumental.

 

“La canción de cuna más trágica” la describió el compositor en el programa radial Cityspace, seis días después del estreno como “la canción de cuna de un niño muerto a sus padres”. Palabras que hacen conexión con el origen trágico de Falling Out of Time, en última instancia, en el conflicto armado árabe-israelí, y también con el acercamiento de Golijov al Círculo de Padres, organización israelí-palestina de familias que perdieron familiares en el conflicto en marcha.

 

Si el dolor sobre el que Grossman escribe es en forma de poesía, de descripciones y de diálogos, Golijov lo encuentra en el Delta Blues, en el rock, en el emparejamiento de registros de Wu Tong y Biella da Costa, en la frescura y fragilidad de la voz de Nora Fischer, en la diversidad instrumental y lingüística, en la gravedad y sensualidad con las que el compositor hace sonar en el contrabajo, junto a susurros rasposos de Wu Tong, los pasos de los padres que Grossman describe en su novela. En este sentido, el compositor capta aquello que Grossman en su escritura híbrida va construyendo, y es la expresión de un dolor tanto personal como colectivo que va mutando, y que trae consigo la marca de la diferencia.

 

Falling Out of Time constituye una vuelta de Osvaldo Golijov después de años sin estrenar obra, y quizás sea también el inicio de una nueva etapa en su carrera compositiva. En la escritura de un compositor en la cual los temas de duelo, memoria y homenaje insisten a lo largo de los años (Yiddishbbuk, Los sueños y plegarias de Isaac el Ciego, Tekyah, La Pasión según San Marcos, Last Round, Mariel, Ainadamar), el ciclo de canciones Falling Out of Time se inscribe allí en temática, y se desmarca en una sonoridad más madura y más íntima.

 

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Falling Out of Time de Osvaldo Golijov

Interpretada por The Silkroad Ensemble: Shawn Conley (bajo), Nicholas Cords (viola), Nora Fischer (voz), Jeremy Flower (electrónica, guitarra), Johnny Gandelsman (violín), Kayhan Kalhor (kemanché), Karen (Ouzounian (violonchelo), Shane Shanahan (percusión), Mazz Swift (violín), Wu Man (pipa), Wu Tong (voz, sheng). Invitados: Dan Brantigan (trompeta) y Biella Da Costa (voz).

Fecha de estreno: Jueves 31 de Octubre de 2019 – 19.30 hs. / Sala: Brooks Concert Hall, College of the Holy Cross en Worcester, Massachusetts, Estados Unidos.

Horacio Chango Spasiuk. Concierto: 30 años con la música. Buenos Aires: Teatro Ópera, 21 de septiembre de 2019

Por Santiago Hernán Vazquez

 

Ni más ni menos que la solemnidad connatural a un encuentro de amigos que, como dijera Atahualpa, llevan el alma en el mismo cuero. Las mismas inquietudes y la misma búsqueda. Ese fue el clima del inolvidable concierto con el que nuestro gran músico, Horacio “Chango” Spasiuk, festejó sus 30 años de música el 21 de septiembre pasado. Y es que ese solemne silencio, tan espontáneo frente a una armonía definitivamente descubierta, no riñe con el gozo profundo que hace saltar de la butaca queriendo mover el cuerpo al ritmo de una polca. La música no es entretenimiento, dijo el acordeonista misionero mediando el concierto, verbalizando lo que los espectadores ya habían intuido al escuchar piezas como “Tristeza”, “Camino”, “Mi pueblo, mi casa, la soledad”. Es, como no se cansa de decirlo nuestro músico, una búsqueda desesperada de la belleza. La búsqueda de un hombre dotado con el don de la sonoridad –hubiera glosado Marechal– que, cubierta la cabeza de ceniza, canta por el hombre insonoro que lleva dentro de sí una armonía que espera ser cantada. “El Cantor, el Oyente y la Canción forman una unidad de sonido”, decía aquel poeta. De allí quizá el clima amical, exento de solemnidades forzadas pero sí pletórico de silencios profundos, con el que transcurrieron las casi tres horas de concierto. De allí el cariño espontáneo para con el Chango que bajaba de las gradas hacia el escenario y que se expresaba a veces en gritos que no eran declaraciones de amor sino manifestaciones de gratitud tan estentóreas como genuinas ante ese “hombre sonoro”, que ha cantado y canta con su acordeón los misterios musicales insondables de nuestro corazón.

 

La apertura del concierto fue tan maravillosamente sencilla que huelgan los calificativos. De repente y a paso lento, ingresó al escenario, solitario, el Chango. De bombacha y alpargatas. Se sentó, se acomodó el poncho en sus piernas y tomó en sus manos una pequeña acordeón que estaba a sus pies. Todos sabíamos que se trataba de la primera acordeón que tuvo de niño. Apareció detrás, en efecto, una foto añeja del niño Spasiuk con esa misma acordeoncita. Y comenzaron a sonar, como pájaros dando la bienvenido a la primavera, entrañables ritmos litoraleños con un sonido que parecía una voz de niño. Este cronista no pudo evitar, frente a este espectáculo que se abría con tan majestuosa sencillez, recordar aquel aforismo de Nietzsche que rezaba: “La madurez del hombre es haber vuelto a encontrar la seriedad  con que jugaba cuando era niño”. El changuito de la foto, con inocultable felicidad, posaba, serio, para la foto de rollo. La música era el juego en el que gozosamente se le iba la vida. El chango del escenario sonreía, no ocultando el gozo y cerrando los ojos de a ratos. Ambos entregados de lleno a la aventura de existir con la certeza de que el fondo de la realidad es bueno porque existe la música. Porque, como nos reveló Tolkien, Ilúvatar dispuso que todo se creara cantando y del canto surgieron las cosas.

 

Como en aquel concierto del 2014 en el Colón (que después se plasmó en el extraordinario trabajo discográfico “Tierra colorada en el Teatro Colón”), y después de este inolvidable prólogo, el chamamé “Tristeza” abrió el sendero a la intimidad amical y solemne. Las notas de esta pieza fueron, como siempre, saetas al corazón que ya fue herido hasta el final. “Tarefero de mis pagos” fue la pieza elegida para revelarnos, inmediatamente después, que allí cantaba un misionero. Mas aún: un chamamecero, que ama su tradición y que, parado y hundidas sus raíces allí, crece, como el lapacho de su tierra, hacia arriba y hacia los costados, buscando una belleza “que siempre está más allá”, dando sombra a los cansados del camino, y floreciendo, con el frío del aire invernal, en promesa de primavera.

 

El concierto recorrió así lo más importante de la obra de Spasiuk. Con la generosidad insobornable de los “hombres sonoros”, concientes de su “misión”, los músicos ofrecieron una interpretación extraordinaria de las composiciones más representativas de la música del Chango. Este cronista, mero diletante, descubrió, por ejemplo, en la performance del maestro perscusionista, las infinitas posibilidades sonoras de las palmas. De “Polcas de mi Tierra” a “Otras músicas” los espectadores viajaron por un itinerario que, teniendo como guía a Spasiuk, siempre es nuevo. En este sentido, este cronista no puede dejar evocar, conmovido aún, la interpretación de piezas como “Pynandí”, “Camino”, “Distancia”, “Canción de amor para Lucía” y tantas más, tantas veces escuchadas.

 

Como si esto fuera poco, el concierto no estuvo exento de sorpresas. Después de sonar “Solo para mí” con la voz inolvidable de Mercedes Sosa, tuvo lugar un momento maravilloso y absolutamente inesperado para los espectadores: fue la intempestiva y feliz irrupción en el escenario del genial gaitero español, de gira en ese momente por Argentina, Carlos Nuñez. Fue un momento único de amistad, alegría, complicidad y, me animo a decir, aprendizaje. En efecto, entre bromas y  poseído de un entusiasmo gloriosamente infantil, el gaitero nos anunció, cual oráculo délfico, que tenemos una tradición común, plena de los matices diversos que otorga la tierra, que debemos conservar frente a la dictadura del cambio, del entretenimiento, de lo novedoso, de lo sensacional. Y que, además –siguió diciendo el español–, tenemos en el Chango Spasiuk a uno de los más extraordinarios pontífices de la belleza de esa tradición. Dicho esto, y como para mostrar que lo dicho es una verdad incontrovertible, Nuñez y Spasiuk nos hicieron vivir a los espectadores unos minutos colmados de felicidad que nos descubrieron, en el idioma de la música, la honda comunión de tradiciones. Los más entrañables chamamés, como “Kilómetro 11”, fueron interpretados con el acompañamiento de la gaita. La comunión fue profunda, feliz, natural. Un sonido ya antiguo era, a la vez, absolutamente nuevo. La verdad musical de aquellas piezas entrañables no mutó sino que se autorreveló más plenamente.

 

Con la invitación al amigo y cantor litoraleño, Sebastián Villalba, que interpretó emotivamente piezas como “Viejo caballo alazán” y “Canto a Ñande Reta”; y con la subida al escenario de Pedro Canale, quien ha dado a algunas composiciones del Chango un nuevo e interesante registro, se completó un viaje inolvidable que ninguno de los que estaban esa noche en el teatro Ópera quería concluir. Y es que todos estuvimos envueltos por tres horas en ese “paraíso de la unificación posible” en el que los hombres logran “unirse por arriba”, como decía Marechal, aun cuando estén divididos por abajo. Tal cosa es el arte verdadero, ese que habla el idioma del corazón pues solo busca –y desesperadamente– la belleza. Y ya sabemos, porque el gran Dostoievsky lo escribió, que solo será la belleza la que salvará al mundo.

Fugaz visión sobre la Séptima Edición de “Músicos en Congreso”

Silvina Luz Mansilla

 

Una vez más, con el entorno de la fragante primavera santafesina, tuvo lugar el encuentro ya habitual de músicos, docentes e investigadores, que transcurre en los años impares en el Instituto Superior de Música de la Universidad Nacional del Litoral. Preludiando la efectiva llegada de la nueva estación, entre el 18 y el 20 de septiembre de 2019, se dieron cita un público numeroso integrado principalmente por estudiantes de música, y una serie de intérpretes, pedagogos, compositores y musicólogos que sumaron debates, propuestas, talleres y disertaciones sobre la canción. “Será que la canción llegó hasta el sol” fue el título para la presentación de miradas, escuchas y reflexiones acerca de uno de los géneros artísticos más efectivos que, por reunir poesía y música, comprende de por sí una problemática atractiva, factible de múltiples perspectivas teóricas y metodológicas.

 

Nuestra reseña tiene la visión transversal del recorrido elegido, en función de posibilidades reales de participación e intereses personales, y también por causa de la multiplicidad de actividades en simultáneo, que atendieron a los diversos intereses de los participantes.

 

Una conferencia inaugural a cargo de una personalidad procedente del Centro Nacional de Documentación Musical “Lauro Ayestarán”, de Uruguay, Rubén Olivera, nos llevó por un repaso conceptual acerca de categorías claves como la identidad, la sinceridad artística, la creación. La presentación cubrió primero un aspecto informativo sobre la actividad actual y reciente del CNDM, matizada con ideas todavía algo provocadoras de Carlos Vega y Lauro Ayestarán, para luego pasar a una serie de reflexiones acerca de la world music, el concepto de espacio sonoro y el tema de la autenticidad en la música. Por no disponerse de un espacio para debate ni preguntas, quedaron flotando hilos conductores, derivaciones, posibles conjeturas y hasta quizá objeciones, que fueron factibles de ser retomados en otras sesiones.

 

La participación en el evento fue mayoritariamente juvenil, con un ambiente sumamente cordial y relajado que dio lugar a una interacción activa. Muy motivantes fueron las sesiones con trabajos etnomusicológicos, como los de Rosario Haddad y Soledad Venegas por un lado, y Norberto Demonte por el otro. También, resultaron muy atractivas las aproximaciones históricas a la canción escolar de tradición escrita, como la propuesta por Luisina García sobre el repertorio producido por Julián Aguirre, y la de Eugenia Amantía y Carla Díaz, quienes intentaron realizar una periodización desde fines del siglo XIX hasta fines de la década peronista basándose en una consistente documentación. A su vez, fue una verdadera ‘revelación’ la participación del muy novel investigador Marcelo Gastaldi, quien problematizó el modo de expresión musical de Carlos Aguirre y su trabajo sobre la propia intimidad, la matriz afectiva, para producir sus canciones. En el campo de la pedagogía, el problema de la canción y su utilización en la enseñanza general tuvo también un momento de profunda reflexión en los planteos de Pablo Lang, quien ha dedicado una tesis doctoral al asunto de la transmisión de la música en la escuela. En línea con la música de inspiración regional, dos trabajos versaron sobre la canción litoraleña: el primero, de Angélica Adorni, abordó las temáticas románticas en el repertorio popular de los años 60; el segundo, de Hector Gimenez, retomó el aporte de Carlos Guastavino a la canción del Litoral, visto desde una polémica hemerográfica ocurrida en la misma época tratada por Adorni.

 

Del coloquio organizado por la Asociación Argentina de Musicología, que tuvo lugar en el día central de este congreso, acaparó nuestra atención la presentación de Lautaro Díaz Geromet, quien aportó una revisión historiográfica sobre la historia del rock nacional, desmontando la construcción de una serie de mitos a lo largo del tiempo, que en cierta medida siguen instalados en la creencia común. Su interpelador, Julián Delgado, acertó en pedidos de ampliación y en un análisis crítico del aporte, que redundó en la profundidad de la nueva perspectiva sobre el tema. Pudimos escuchar, asimismo, la disertación de Hernán Gabriel Vázquez sobre identidades y música, quien fue interpelado por Martín Liut con ajustados comentarios. Su trabajo exploró una serie de ideas cristalizadas presentes en los discursos sobre la creación musical de algunos compositores argentinos, de distintas épocas. Instalada en la sociología y el análisis discursivo, se trató de una contribución que intentó ser un llamado a la reflexión sobre la necesidad historiográfica de considerar los aspectos económicos y su incidencia, a la hora de analizar las variables que intervienen en procesos de circulación y mediación de los distintos repertorios.

Una camaradería especial se produce en estos encuentros, con sus pausas de descanso acompañadas por músicas instrumentales y vocales en vivo. Allí pudimos escuchar desde un coro a cappella integrado por adolescentes de una escuela artística santafesina que entonó la comprometida canción de César Isella Fuego en Animaná (mencionada justamente en una sesión anterior en la que se habló de censuras y autocensuras), hasta conjuntos de estudiantes del Instituto Superior de Música. La bienvenida, en la apertura, estuvo a cargo de profesores y graduados del ISM, que nos llevaron por distintos repertorios vocales, algunos de clara inspiración regional. Las autoridades, docentes implicados en la comisión organizadora y personal anfitrión, como siempre, destacaron por su trabajo mancomunado y una organización horizontal, cooperativa, que resulta muy inspiradora y de gran aprendizaje para quienes transitan sus estudios de grado en esa casa de estudios.

 

El Conservatorio Nacional de 1888 y el Conservatorio Williams . Senderos que se bifurcan en la educación musical argentina

Manuel Massone y Oscar Olmello

 

La existencia del Conservatorio Nacional fundado en 1888 por decreto del presidente Miguel Ángel Juárez Celman, fue ignorada por la bibliografía hasta épocas muy recientes. Por ello permanecieron también desconocidos los esfuerzos que llevó a cabo el Estado Nacional para la formación de maestros de música. Tal medida resultaba urgente al implementarse en 1884 la ley 1420 de educación común, gratuita y obligatoria, con la consiguiente necesidad de cubrir las numerosas vacantes en esos cargos.

 

Aquella ley venía a formular explícitamente un ambicioso proyecto puesto en práctica en la segunda mitad del siglo XIX, que buscaba erradicar el analfabetismo. La música vocal y el dibujo aparecían en la norma como materias curriculares. No resulta casual entonces, que Juan Gutiérrez fuera elegido el primer director de aquel conservatorio. Él mismo en la introducción de su tratado de solfeo, relata que se había preparado en España como solfista, es decir como maestro de música vocal. Tal asignatura figuraba en los programas de la Escuela Normal de Paraná ya desde su fundación en 1870. Se seguía así una tendencia de vanguardia que había sido exitosa primero en las escuelas públicas de la ciudad de Boston y luego en toda la Unión. No debe olvidarse que el director y todo el claustro docente fundadores de esa escuela eran originarios de aquella ciudad norteamericana.

 

En línea con esos objetivos, el Ministro de Justicia, Culto e Instrucción Pública, Juan Manuel Carballido elogia en la memoria elevada al Congreso Nacional en 1891, el funcionamiento del Conservatorio Nacional pues ha formado “[…]señoritas maestras de solfeo que ya están ejerciendo en escuelas nacionales y primarias dependientes del Consejo Nacional de Educación” (Carballido, 1891).

 

Sin embargo, tal tarea se ve interrumpida por la crisis económica de 1890 y la posterior acción de Alberto Williams. En efecto, decepcionado al regreso de Europa por el desinterés de la sociedad porteña ante sus flamantes capacidades adquiridas en Francia como pianista y compositor, piensa abandonar la música ante lo cual su tío Amancio Alcorta, a la sazón ministro del ramo respectivo, le ofrece desplazar a Gutiérrez para colocarlo a él en su reemplazo. Williams rechaza el ofrecimiento y tiempo más tarde funda su propio conservatorio de gestión privada.

 

Para constituir su claustro tienta a los profesores del Conservatorio Nacional a pasarse al suyo, quienes a su vez, aconsejan a sus alumnos seguirlos hacia la institución recién fundada. Casi inmediatamente, su tío en un fugaz regreso al ministerio instituye el reconocimiento oficial de los títulos expedidos por el conservatorio de su sobrino. En una sola operación Williams vacía de profesores y alumnos el Conservatorio Nacional dirigido por Gutiérrez quien, como el mismo Williams escribe “dejé con un palmo de narices” y se convierte en la única institución que otorgara títulos oficiales de música, ya que el Conservatorio Nacional, así debilitado perdió esa facultad[1].

 

Esta circunstancia además de promover reflexiones sobre la ética de un personaje instalado hasta hace poco tiempo en la hagiografía musical argentina, generó una antinomia que llevó un siglo resolver. Pues el conservatorio de Williams encarnaba un paradigma de formación profesional del músico opuesta a la del de Gutiérrez. Su curriculum estaba inspirado en el del Conservatorio de París y por ello buscaba formar instrumentistas virtuosos y compositores, aunque el título que obtenían habilitaba a sus egresados a ejercer como maestros de música.

 

Tal desajuste fue señalado por un docente de música, al explicar que:

 

La metodología empleada en la escuela por los profesores especiales [maestros de música], está calcada en los medios puestos en uso por los conservatorios donde ellos estudiaron, pero como en esos establecimientos no se prepara al alumno para ser maestro sino ejecutante, esa rama del arte de enseñar ha merecido una secundaria preferencia cuando no una total omisión, y de ahí la precaria idoneidad del actual músico-maestro (Roldán, 1915).

 

Nueve años más tarde de esta opinión sobre la formación de los educadores, se crea el Conservatorio Nacional definitivo con una orientación que se ubica a mitad de camino entre los paradigmas mencionados, pero con una preeminencia del modelo williamsiano, pues éste para esa época se había consolidado en los conservatorios privados que proliferaban en todo el país, incluyendo además cursos para poder sortear los exámenes de aptitud que requería el Consejo Nacional de Educación para enseñar en las escuelas primarias.

 

Esa antinomia animaba el debate político al interior de las instituciones que impartían la formación profesional del músico, todavía en el último tercio del siglo XX, estando en proceso de evaluación hoy en día las estrategias elaboradas para zanjarlas.

 

Bibliografía

 

Carballido, J. M. (1891). Memoria presentada al Congreso Nacional de 1891. Buenos Aires: Taller Tipográfico de la Penitenciaría.

Massone, M., & Olmello, O. (2015). El Conservatorio Nacional de 1888. La Primera Fundación. 4′ 33″. Revista on line de Investigación Musical., VII(1), 14-28.

Massone, M., & Olmello, O. (enero-junio de 2018). 1890. Divisoria de dos modelos antagónicos de educación musical en la Argentina. Resonancias, 22(42), 33-52. doi:DOI: https://doi.org/10.7764/res.2018.42.3

Roldán, J. M. (1915). La Música en la Escuela. Monitor de la Educación Común, XXXIII(53), 207-211.

 

 

 

[1] El conservatorio de Música de Buenos Aires que dirigía Williams también perdió ese reconocimiento tras el alejamiento de su tío de los gabinetes nacionales, en los cuales ocupó diversos cargos ministeriales durante casi una década.

Congreso Argentino de Musicología 2020

(XXIV Conferencia de la AMM y XX Jornadas Argentinas de Musicología del INMCV)

Segunda Circular

Córdoba, 12 al 15 de agosto de 2020

La Asociación Argentina de Musicología y el Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega” anuncian la realización del Congreso Argentino de Musicología 2020 (XXIV Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega”), que tendrá lugar en la ciudad de Córdoba, co-organizado con la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba, entre los días 12 y 15 de agosto de 2020.

Esta edición ha elegido una nueva denominación que subsume y abrevia los títulos de las anteriores, manteniendo la numeración correspondiente a los eventos propuestos por cada una de las instituciones que se reúnen tradicionalmente para realizar un congreso de musicología bienal, lo que demuestran la proyección y permanencia de estas reuniones científicas.

Para esta oportunidad han confirmado su participación como conferencistas la Dra. Pilar Ramos (Universidad de La Rioja, España) y el Dr. Luis Ferreira (Universidad Nacional de San Martín).

Coordinadores:

Leandro Flores (Director disciplinar del Departamento de Música de la Facultad de Artes de la UNC)

Hernán Gabriel Vázquez (Director del Instituto Nacional de Musicología «Carlos Vega»)

Diego Madoery (Presidente de la Asociación Argentina de Musicología)

 

Comisión Organizadora:

Myriam Kitroser y Cecilia Argüello (FdeA UNC)

Lisa Di Cione y Omar García Brunelli (INMCV)

Silvina Argüello y Guillermo Dellmans (AAM)

 

Presentación de propuestas

Se aceptarán tres tipos de propuestas: ponencias, ponencias de investigadores en formación y mesas temáticas. La fecha límite para la entrega de todas las propuestas es el 08 de marzo de 2020 y deberán enviarse por correo electrónico a la siguiente dirección: congresoargentinomusicologia@gmail.com.

Las propuestas se ceñirán a las siguientes especificaciones:

  • Los idiomas oficiales son el español y el portugués.
  • Solo se aceptarán propuestas de trabajos de investigación musicológica que sean originales, inéditos y no leídos en otros congresos. Estos serán expuestos, sin excepción, por los propios autores.
  • Las ponencias pueden ser individuales o en coautoría de solo dos autores.
  • Los investigadores podrán participar en una sola presentación, con una ponencia (individual o en coautoría) o en una mesa temática.
  • Ponencias: los investigadores deberán indicar nombre(s) del autor/a(es/as), filiación académica, dirección postal, dirección de e-mail, título de la presentación, resumen (entre 400 y 500 palabras) con una bibliografía de hasta diez entradas, curriculum vitae de hasta 150 palabras y requerimientos audiovisuales. El resumen dará cuenta del tema a desarrollar, el estado actual de la cuestión, el marco teórico, la metodología y los nuevos aportes que brinda el trabajo. Las ponencias dispondrán de 20 minutos de exposición.
  • Investigadores en formación (IF): quienes deseen participar en esta categoría deberán indicarlo expresamente, completar los mismos requerimientos para ponencias y, además, entregar el texto completo del trabajo (entre 2200 y 2600 palabras, sin contar la bibliografía).
  • Mesas temáticas: estarán conformadas por tres panelistas y un interpelador. Uno de sus miembros asumirá la coordinación de la mesa. Además de los requerimientos especificados en la categoría “Ponencias”, la coordinadora o el coordinador deberá enviar un único resumen (entre 500 a 600 palabras) en el que dará cuenta de la temática a abordar. No se solicita resumen de cada uno de los trabajos incluidos en la mesa. Cada ponencia dispondrá de 20 minutos de exposición, y el interpelador contará con 10 minutos luego de la exposición de los participantes de la mesa.

El Comité de Lectura está integrado por el Dr. Cristian Guerra, la Dra. Juliana Guerrero y el Dr. Martín Liut. La decisión del Comité será inapelable.

La aceptación de las propuestas se dará a conocer el 18 de mayo.

La participación de los ponentes en el congreso se confirmará mediante el pago de la inscripción en un plazo a comunicar en la próxima circular.

Páginas web:

https://inmcv.gob.ar

http://aamusicologia.org.ar/

http://www.fba.unlp.edu.ar/webActual/index.html

Correo electrónico:

congresoargentinomusicologia@gmail.com

info@aamusicologia.org.ar

info@inmcv.gob.ar

Teléfono:

INMCV: +54 11 4361-6520 / +54 11 4361-6013

Revista Argentina de Musicología 20

El Equipo editorial de la Revista Argentina de Musicología informa que ya se encuentra en línea la Revista Argentina de Musicología 20 en http://ojs.aamusicologia.org.ar

 

Sumario

Dosier: Perspectivas en la teoría de la música 

  • Presentación. Pablo Fessel
  • Un camino subjetivista hacia una modernidad objetiva. Boris Asafyev y los avatares de la producción musicológica en la Unión Soviética. Martín Baña
  • La textura como espacio inmanente. Teoría, representaciones historiográficas y concepciones estéticas. Pablo Fessel
  • Latencia aural. Consideraciones en torno a la interacción entre imagen y sonido en la notación musical icónica. David Magnus
  • Gesto, sonido, sensación. Álavaro Oviedo

Artículos

  • Música y afecto: una revisión bibliográfica y el análisis de tres casos problemáticos. J. Fernando Anta, Danilo Ramos, Luis Felipe Oliveira
  • Lorenzo Barbero: Lo provinciano y lo porteño. Ana Belén Disandro, Héctor Rubio
  • Lauro Ayestarán y la fraseología de Carlos Vega en la transcripción del candombe. Luis Ferreira
  • Jazz y relato audiovisual. La banda sonora de Isidro Maiztegui para Los inocentes (1963). María Fouz Moreno

Reseñas Bibliográficas

  • Eileen Karmy y Martín Farías (compiladores). Palimpsestos Sonoros. Reflexiones sobre la Nueva Canción Chilena. Santiago de Chile: Ceibo ediciones, 2014. 257 páginas. ISBN: 987-956-907184-3. Ariel Mamani
  • Cetrangolo, Annibale Enrico. Dentro e fuori il teatro.Ventura degli italiani e del loro melodrama nel Rio de la Plata. Colección Quaderni sulle migrazioni. Isernia: Cosmo Iannone Editore, 2018. 435 páginas. ISBN 978-88-5160-191-1. Fátima Graciela Musri
  • Manuel Massone y Mario Celentano. Generaciones olvidadas. Buenos Aires: Editorial del Departamento de Artes Musicales y Sonoras “Carlos López Buchardo” EDAMus, 2016. 153 páginas. ISBN: 978-987-46224-1-9. ISMN: 979-0-9016807-0-8. Oscar Olmello

Coloquio de la Asociación Argentina de Musicología 2019

Este año los Coloquios que organiza nuestra asociación habitualmente en los años impares se realizarán en la ciudad de Santa Fe, en el Instituto Superior de Música de la Universidad Nacional del Litoral, junto a la séptima edición de “Músicos en Congreso”, el día jueves 19 de septiembre.

 

Para esta oportunidad la Comisión Directiva decidió acortar y unificar el nombre que ha distinguido a estos encuentros desde 2007 y que comenzaron en ese momento orientados a los estudios de Música Popular, gracias a la iniciativa de Héctor Rubio y Federico Sammartino. Sin lugar a dudas este formato ha posibilitado una forma diferente y ciertamente exitosa de comunicación académica que nos da mucho gusto poder continuar.

 

El Instituto Superior de Música aceptó esta propuesta que replica lo acontecido en el año 2011, ocasión del primer Coloquio sobre estudios en Música Académica.

 

El encuentro contará con seis expositores provenientes de una diversidad de estudios sobre la música. Nos alegra proseguir esta tarea con la intención de ampliar la mirada sobre la investigación en música e integrar a estudiosos que no han participado de nuestros congresos y coloquios.

 

A continuación se presenta el programa del Coloquio.

 

Programa de la totalidad del congreso:

Músicos en Congreso – Programación (1)

Revista Argentina de Musicología

La Revista Argentina de Musicología convoca a investigadores a la presentación de artículos en cualquiera de las áreas de la musicología. Deberán ser inéditos y escritos en español. No podrán estar en evaluación en otra publicación a la vez que se ofrezcan a esta revista. Serán sometidos al juicio de un Comité de referato ciego que determinará su aceptación o rechazo, siendo esta decisión de carácter inapelable. También se recibirán reseñas de libros vinculados a la disciplina.

La Revista Argentina de Musicología será publicada en formato digital con acceso libre a su lectura. Todo el material publicado está acogido a la Licencia Creative Commons Atribución-NoComercial 2.5 Argentina, salvo en los casos en que se indique lo contrario. Esto significa que dicho material puede ser distribuido, copiado y exhibido por terceros siempre y cuando se consigne la fuente, sin que pueda obtenerse ningún beneficio comercial a partir de su uso, ni realizarse obras derivadas.

La fecha de cierre de recepción es el 21 de marzo de 2020. 

Solo se considerarán para su publicación, aquellos trabajos que se ajusten a las normas de edición.

Director: Diego Madoery

Editor responsable: Leonardo Waisman

Equipo editorial: Vera Wolkowicz y Clarisa Pedrotti

Producción editorial: Hernán D. Ramallo

Revista Argentina de Musicología

Una ola en la marea feminista: estudios sobre música y sonido en las Jornadas Nacionales de Historia de las Mujeres

Por Romina Dezillio

Ciudad de Buenos Aires, 2 de agosto de 2019

 

 

Ni tímidos, ni livianos, ni modestos; intensos, firmes y promisorios se presentaron nueve trabajos que abordan la música con lentes de género. La nuestra fue la mesa N° 39: “Escuchar las diferencias: género, cuerpo, música y sonido en el arte”, una de las 96 que hicieron estas jornadas. Nosotras, nueve de muchas, muchos, muches, cuyas voces agitaron las paredes de las facultades del campus de la Universidad Nacional de Mar del Plata.

 

Lo vivimos con mucha alegría y así quiero compartirlo hoy, el día después. Mi pensamiento toma siempre el camino de la historia, de modo que no puedo evitar la lógica del racconto… Todo comenzó el invierno pasado y la primera en imaginarlo fue Julia Kratje. Su propuesta encontró asidero inmediatamente en mi horizonte; en él se dibujaban pocos perfiles porque apenitas me había reincorporado a la actividad luego de cinco meses de licencia por maternidad. Modelado aquel presente por un registro alucinado de brazos, abrazos y noches sin dormir, dije que sí sin dudarlo. Con Julia pensamos juntas, intercambiamos, decidimos y esperamos que prosperara la ilusión de un espacio para la música en estas jornadas.

 

Una vez generado el espacio, el proyecto se concretó con los aportes de colegas que extendieron los límites de nuestro territorio a los países vecinos de Chile, Brasil y Uruguay. No puedo soslayar algunas de las experiencias previas por la que esta mesa se vio favorecida. Primero fue el III Coloquio de Ibermúsicas sobre investigación musical “Música y mujer en Iberoamérica: haciendo música desde la condición de género”, que tuvo lugar en agosto de 2017 en Santiago de Chile. De aquel encuentro en que once países fueron representados por mujeres investigadoras y artistas surgieron los lazos que esta vez trajeron a Lorena Valdebenito Carrasco de Chile; y de Brasil a Eliana Monteiro Da Silva. Un momento posterior lo constituyó la XXIII Conferencia de la AAM y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del INM “Carlos Vega”, reencuentro que dio lugar a una red de intercambios impulsados por Silvia Lobato que se consolidaron en torno al Tercer Congreso Chileno de Estudios en Música Popular “Género y sexualidad en  música popular: prácticas, articulaciones, disputas”, realizado en enero de 2019 en Santiago de Chile.

 

Con alguna de estas participaciones previas y otras afortunadas incorporaciones nuevas se armó esta mesa temática, nutrida de cruces e intercambios. Cuatro trabajos presentaron mujeres con importantes actuaciones en escenarios diversos del quehacer musical latinoamericano: Eliana Monteiro da Silva (Escola de Comunicações e Artes da USP) revisó el trabajo como intérprete de la pianista argentina residente en Brasil, Beatriz Balzi (1936-2001), centrándose en la serie de Cds Compositores Latinoamericanos (1984-2001). Por haber sido su discípula, Eliana ofreció testimonios de primera mano sobre la relación que Balzi entabló con los y las compositores/as interpretados en la serie con el propósito de alcanzar “la mejor interpretación” de cada obra. Centrada en la figura de Sara González, Lorena Valdebenito Carrasco (Universidad Alberto Hurtado, Santiago de Chile) aportó su estudio sobre la construcción de lo femenino en la Nueva Trova Cubana. La creación musical femenina de Pascuala Ilabaca y Fauna fue objeto de la presentación de Paloma Martín Vidal (Universidad de Chile). Natalia Guigou Rodriguez (UNA/UBA/Ministerio de Cultura y Ministerio de Educación) y Federico Guigou Rodriguez introdujeron a Antoinette Paula Pepin Fitzpatrick, conocida, a través de su seudónimo Pablo del Cerro, como co-creadora junto a Atahualpa Yupanqui de algunos de los íconos más populares del repertorio folclórico del país.

 

Géneros musicales y sus sentidos asociados al género tuvieron su análisis e interpretación en los trabajos de Mariana Signorelli (UBA): “Malambo, máscaras mágicas y limitaciones genéricas de género”;  Adriana Cerletti (UBA/UNA): “La virilidad de la cifra y la sensualidad de la milonga: retóricas de nacionalismo musical en clave de género”; y Romina Dezillio  (INMCV/ Damus-UNA): “‘No se nace cancionista, se llega a serlo’. Estudio sobre el proceso de surgimiento y consolidación de las cancionistas de tango”.

 

El trabajo de Julia Kratje (CONICET/UNA/ IIEGE/UBA) se centró en un estudio de lo sonoro en el film Malambo, el hombre bueno, de Santiago Losa para analizar “Coreografías, paisajes, silencios: resonancias y confines de la masculinidad en el cine argentino”. Silvia Lobato (UNQ/UNCUYO), a través del estudio de prensa periódica, profundizó en la “Música de conciertos, crítica musical y género en La Mujer. Revista Argentina para el hogar (1935-1943)”.

 

Estos y otros temas trascendieron las paredes de las aulas, como pasa siempre; pero como pocas veces: tuvieron protagonismo. Seguramente, cada participante tendrá su versión de este encuentro y solo la suma de las voces puede completar el relato. Porque esta mesa N° 39 en las XIV Jornadas Nacionales de Historia de las Mujeres: la hicimos entre todas.

Congreso Argentino de Musicología 2020

(XXIV Conferencia de la AMM y XX Jornadas Argentinas de Musicología del INMCV)

 

Córdoba, 12 al 15 de agosto de 2020

 

Primera Circular

 

La Asociación Argentina de Musicología y el Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega” anuncian la realización del Congreso Argentino de Musicología 2020 (XXIV Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega”), que tendrá lugar en la ciudad de Córdoba, co-organizado con la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba, entre los días 12 y 15 de agosto de 2020.

Esta edición ha elegido una nueva denominación que subsume y abrevia los títulos de las anteriores, manteniendo la numeración correspondiente a los eventos propuestos por cada una de las instituciones que se reúnen tradicionalmente para realizar un congreso de musicología bianual, lo que demuestran la proyección y permanencia de estas reuniones científicas.

 

Coordinadores:

Leandro Flores (Director disciplinar del Departamento de Música de la Facultad de Artes de la UNC)

Hernán Gabriel Vázquez (Director del Instituto Nacional de Musicología «Carlos Vega»)

Diego Madoery (Presidente de la Asociación Argentina de Musicología)

 

Comisión Organizadora:

Myriam Kitroser y Cecilia Argüello (FdeA UNC)

Lisa Di Cione y Omar García Brunelli (INMCV)

Silvina Argüello y Guillermo Dellmans (AAM)

 

Presentación de resúmenes y ponencias individuales:

Los idiomas oficiales son el español y el portugués. Se admitirán presentaciones en co-autoría y cada escrito podrá ser leído por no más de dos personas. Se recibirán, como máximo, un trabajo individual y uno en co-autoría por cada participante.

Con el objetivo de incentivar la participación de investigadores noveles, se establecerá una categoría especial denominada ‘Investigadores en Formación’ (IF). Quienes deseen ser incluidos en esta categoría, deberán indicarlo expresamente y presentar el trabajo completo. Asimismo, en la categoría ‘Comunicaciones’ se considerarán los avances y resultados parciales de trabajos individuales o grupales en curso. Éstos dispondrán de quince minutos en total para su presentación, mientras que las ponencias (investigadores e IF) veinte.

Sólo se aceptarán resúmenes, trabajos completos y comunicaciones de investigaciones musicológicas originales, inéditas y no leídas en otros congresos. Estos serán expuestos, sin excepción, por los autores y las autoras. Los resúmenes (ponencias y comunicaciones) y los trabajos completos de los IF serán evaluados por el Comité de Lectura (integrado por el Dr. Cristian Guerra, la Dra. Juliana Guerrero y el Dr. Martín Liut) cuyas decisiones serán inapelables.

Los resúmenes de los trabajos y comunicaciones deberán tener una extensión mínima de 400 palabras y máxima de 500, sin contar la bibliografía (de hasta diez entradas). Se adjuntarán los curriculum vitae correspondientes (de hasta 150 palabras), en donde consten dirección postal, electrónica y adscripción institucional.

 

Presentación de resúmenes de mesas temáticas

Se convoca también a la presentación de mesas temáticas con tres panelistas y un interpelador/a. Quienes coordinen las mesas deberán enviar el resumen general  de las ponencias individuales (con una extensión de 500-600 palabras), además de los currículum vitae abreviados de participante.

La fecha límite para la entrega de todas las propuestas es el 8 de marzo de 2020.

 

Páginas web:

https://inmcv.cultura.gob.ar

http://aamusicologia.org.ar/

http://artes.unc.edu.ar/

 

Correo electrónico:

congresoargentinomusicologia@gmail.com

 

Teléfono:

54 11 4361-6520 (INMCV)

Coloquio de la Asociación Argentina de Musicología 2019

Este año los Coloquios que organiza nuestra asociación habitualmente en los años impares se realizarán en la ciudad de Santa Fe, en el Instituto Superior de Música de la Universidad Nacional del Litoral, junto a la séptima edición de “Músicos en Congreso”, el día jueves 19 de septiembre.

Para esta oportunidad la Comisión Directiva decidió acortar y unificar el nombre que ha distinguido a estos encuentros desde 2007 y que comenzaron en ese momento orientados a los estudios de Música Popular, gracias a la iniciativa de Héctor Rubio y Federico Sammartino. Sin lugar a dudas este formato ha posibilitado una forma diferente y ciertamente exitosa de comunicación académica que nos da mucho gusto poder continuar.

El Instituto Superior de Música aceptó esta propuesta que replica lo acontecido en el año 2011, ocasión del primer Coloquio sobre estudios en Música Académica.

El encuentro contará con seis expositores provenientes de una diversidad de estudios sobre la música. Nos alegra proseguir esta tarea con la intención de ampliar la mirada sobre la investigación en música e integrar a estudiosos que no han participado de nuestros congresos y coloquios.

A continuación, los mencionamos con sus respectivos trabajos e interpeladores. Próximos a la fecha comunicaremos el programa.

 

Ana Belén Disandro: «La Guardia vieja en Córdoba. Influencias musicales en el proceso de gestación».

Interpelador: Andrés Serafini.

Lautaro Díaz Geromet: «Historia del rock nacional: Una revisión historiográfica».

Interpelador: Julián Delgado

Elina Goldsack: «Reflexiones sobre la relación texto-música. Una propuesta para el análisis de canciones».

Interpeladora: Ana María Romaniuk

Alejandro Reyna: «La experiencia como vehículo de construcción colectiva en la música de Luc Ferrari».

Interpelador: Gonzalo Biffarela

Hernán Gabriel Vázquez: «Identidades y música. Intentos, contradicciones e (im)posibilidades  de un ready-made en constante disputa».

Interpelador: Martín Liut

Valentín Mansilla: «Prácticas sonoras en espacios de frontera: el caso de los abipones del Gran Chaco (1748-1767)».

Interpeladora:  María Mendizábal

 

Con color local. Reseña del disco “Eco de mi voz” de Viviana Dal Santo

por María Sol Causse[1]

 

El mundo queda en vilo frente a esa horqueta de senderos,

que se reitera inexorable. 

Edgardo Morisoli, La Lección de la diuca

 

Quien encuentra su propia voz, lo ha entendido todo. Todo acto artístico se funda en una búsqueda que en sí, conforma un desafío y una aventura: soy los que han sido y soy yo, en este hoy, en esta tierra.

 

Con el apoyo del Instituto Nacional de la Música (INAMU) y de la Editorial Voces, la docente y compositora santarroseña Viviana Dal Santo -en su primer álbum de creaciones propias- nos invita a redescubrir las querencias de la Pampa, con sus paisajes y sus silencios, con sus aromas y cantos. Es “Eco” de la belleza de la laguna y su reflejo de la luna en una noche taciturna; del amanecer, con el suave canto de la Diuca y el perfume del bosque de eucaliptus; de la melancolía de la tierra y un patio, que representa los sentires durante la infancia.

 

La singularidad de las obras que integran este disco radica en la confluencia del delicado tratamiento de materiales provenientes de la música contemporánea con aquéllos de fuerte identidad folclórica, en función de un todo discursivo que se erige como símbolo de pertenencia local. A nivel instrumental e interpretativo, aquéllas son, en su mayoría, pianísticas y otras, para clarinete solo (Camilo Sánchez), flauta sola (Juan Cruz Portillo) o dúo —canto (Martín Peluffo), violín (Enzo Ludueña) o flauta y piano (Verónica Baraybar Viviana Dal Santo).

 

La exploración tímbrica que realizan fundamentalmente los vientos —exploración que, por momentos, emula a elementos de la naturaleza—, el juego armónico de búsqueda de efectos que se perciben como luz y oscuridad, el nostálgico diálogo melódico estriado de reminiscencia autorreferencial y la rítmica- a veces velada- de la milonga campera, hacen a la esencia propia de un estilo personalísimo de fuerte raigambre regional.

 

La admiración por los poetas de su provincia dieron origen a “Canta para que amanezca”, que se inicia con el poema “La lección de la diuca”, de Edgard Morisoli, recitada por él mismo y acompañada por clarinete. “De la nostalgia” y “Siempre el canto vuelve” constituyen dos musicalizaciones de poemas de J. C. Bustriazo Ortiz, (gran poeta santarroseño) quien supo pincelar sensiblemente lo ancestral, lo existencial, la soledad, e infinitud de la Pampa.

 

“Ecos de mi voz” es, entonces, una forma de experimentación y autoconocimiento. Es un camino en el que resuenan, a cada paso, palabras, lugares y experiencias del folclore, elaboradas, evocadas y resignificadas desde un lenguaje musical contemporáneo que caracteriza a una de las más profundas y notables compositoras Argentinas del siglo XXI.

 

 

[1] Viviana Dal Santo:   Prof. De Artes en Música (CREAr), Técnica en Arreglos Musicales (UNL, Santa Fe) y Licenciada en Teoría y Crítica de la Música (UNL, Sta. Fe).  e-mail: vivianadalsanto@yahoo.com.ar Youtube: Viviana Dal Santo

María Sol Causse: Profesora de artes en Música (Conservatorio de Música de Bahía Blanca). Profesora en Lengua y Literatura (Instituto Superior Juan XXIII) y Licenciada en Teoría y Crítica de la Música (Universidad Nacional del Litoral). E-mail: masol_ca@hotmail.com

Difusión de Congresos

Incorporamos una agenda de eventos en la página de inicio. Pueden ver todos los encuentros científicos de la región aquí.

Revista Argentina de Musicología 19

El Equipo editorial de la Revista Argentina de Musicología informa que ya se encuentra en línea la Revista Argentina de Musicología 19 en http://ojs.aamusicologia.org.ar

 

Sumario

Dosier: Musicología y Cognición Musical en Latinoamérica

 

  • Presentación. Favio Shifres
  • Hacia una teoría del ritmo musical cognitivamente informada: transformación del pensamiento acerca del ritmo en la música tonal. Federico Wiman
  • Hacer sentido con el cuerpo en la música. La realidad ampliada de la cognición musical. Isabel Cecilia Martínez
  • Por una teoría de la experiencia de la música: cuerpo, cognición y sentido. Marcos Nogueira
  • Tensiones entre psicología de la música y experiencia musical en Latinoamérica. Favio Shifres

 

Artículos

 

  • Sonografía de la pampa: las Pampeanas (1947-1954) de Alberto Ginastera en el contexto del primer peronismo. Omar Corrado
  • De la música al poder: los oficios musicales como estrategia de ascenso político en el monasterio de Santa Catalina de Sena (Córdoba, siglo XVIII). Marisa Restiffo
  • De la vuelta de Mercedes Sosa a la asunción de Raúl Alfonsín: actores emergentes en el folklore argentino. Tomás Agustín Mariani
  • Pichuco y su “goma de borrar”: diferencias entre texto y ejecución en un tango arreglado por Astor Piazzolla para la orquesta típica de Aníbal Troilo. Andrés Serafini

 

Reseñas Bibliográficas

 

  • Corti, Berenice y Claudio Díaz (compiladores). Música y Discurso. Aproximaciones analíticas desde América Latina. Villa María: EDUVIM, 2017. Silvina G. Argüello
  • López Ruiz, Oscar. Piazzolla, loco, loco, loco. 25 años de laburo y jodas conviviendo con un genio. Buenos Aires: Gourmet Musical, 2018. Omar García Brunelli

AAM Sociales 2018

AAM SOCIALES 2018

Cada mes de diciembre solemos hacer un repaso de los acontecimientos más destacados del año, los especiales, los que se salieron de la rutina.

Desde la CD de la Asociación hemos querido reunir en un sólo documento la información respecto de las actividades significativas para el desarrollo profesional de nuestros socios y de la disciplina que nos aglutina. Como es probable que se nos escape alguna información en este sentido, y dado que podemos actualizarla en la página de la AAM, les solicitamos que nos hagan conocer las omisiones para subir la información a la página web.

 

NUEVOS SOCIOS HONORARIOS

Leonardo Julio Waisman

Enrique Cámara de Landa

Héctor Goyena

 

NUEVOS SOCIOS

– Activos: Guillermo Luppi, Pablo Daniel Martínez, Ignacio Quiroz, Mariana Tsiftsis, Leonardo Manzino, Ernesto Sueldo

– Adherentes: Elina Viviana Goldsack

– Estudiantiles: Francisco César Eduardo Taborda, Luisina García, Mariel Orgueira

 

SOCIOS QUE DEFENDIERON SUS TESIS DE POSGRADO

– Ana Romaniuk (actual integrante del Órgano de Fiscalización de la CD) defendió su tesis de doctorado en la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA, “La música popular de referencias rurales en la provincia de La Pampa: huellas, zambas y milongas en la construcción de identidades no-centrales en Argentina”. El jurado estuvo integrado por tres socios: Miguel Ángel García, Edgardo Rodríguez y Diego Madoery. La dirección estuvo a cargo de Luis Ferreira y la co-dirección en manos de otra socia: Emilia Greco.

Un gran aporte al conocimiento del folclore pampeano.

 

– Luis Melicchio defendió su tesis de Maestría de Interpretación de Música Latinoamericana del Siglo XX en la UNCUYO, “Manuel Gómez Carrillo. Consideraciones en torno al concepto de autenticidad referido a la interpretación de su obra pianística”. El jurado se conformó por: Evelia Sabatini, Ernesto Sueldo y Elena Dabul. La direccción estuvo a cargo de Oscar Olmello y la co-dirección de Manuel Massone.

Una contribución relevante al estudio de Gómez Carrillo.

 

SOCIOS QUE DIRIGIERON TESIS DE POSGRADO

– Tesis de Maestría en Interpretación de Música Latinoamericana del siglo XX (Facultad de Artes y Diseño de la U.N. de Cuyo) de Ana María Portillo (de la U.N. de San Juan) “La retórica del nacionalismo musical argentino en ‘Impresiones de mi tierra’ de Ángel E. Lasala”. Directora: Melanie Plesch y Codirectora Graciela Musri.

– Trabajo Integrador Final de Hector Gimenez con el que obtuvo el título de Especialista en Musicología por la Universidad Nacional de las Artes (primer graduado). Integraron el Jurado tres socios de la AAM: Ana María Mondolo, Omar García Brunelli y Héctor Goyena. Directora: Silvina Luz Mansilla.

– Tesis de Magíster en artes mención Musicología (Facultad de Artes, Universidad de Chile) de Pablo Rojas Sahurie, “Religión popular en la Nueva Canción Chilena: el caso de Rolando Alarcón y dos de sus canciones”. Director: Cristián Guerra Rojas.

– Tesis de Doctorado (Universidad de Córdoba) de Sergio Poblete: «La interpretación de las imágenes acústicas y visuales en la obra de arte multimedia. Aproximación analítica desde la semiótica cognitiva». Director: Leonardo Waisman.

 

SOCIOS QUE PUBLICARON LIBROS

Marisa Restiffo: El Códice polifónico del Monasterio de Santa Catalina de Sena de Córdoba. Editorial Brujas. 2018

Leonardo Waisman: Una historia de la música colonial latinoamericana. Gourmet Musical (en prensa)

Irma Ruiz: La “conquista espiritual” no consumada. Cosmología y rituales mbyá-guaraní. Ediciones Abya-Yala. 2018.

Silvina Luz Mansilla: presentó la Segunda edición de su libro Alfredo Pinto. Su aporte musical a la Argentina. Con prólogo de Aníbal E. Cetrangolo, la obra fue publicada por la Universidad Nacional de las Artes. 2018.

Enrique Cámara Landa (editor y coautor) et Al. (2da. edición): Sangita y Natya. Música y artes escénicas de la India. Universidad de Valladolid. 2018.

 

SOCIOS QUE RECIBIERON DISTINCIONES, PREMIOS, RECONOCIMIENTOS

Diego Madoery, actual presidente de la Comisión Directiva de la AAM: su tesis doctoral “Charly García y la máquina de hacer música. El estilo musical en las canciones del período 1972-1996” fue seleccionada para ser publicada mediante la financiación que otorga el programa Investiga Cultura, del Ministerio de Cultura de Argentina. Gourmet Musical Ediciones.

Graciela Musri fue re-electa por unanimidad Coordinadora del Gabinete de Estudios Musicales (Dep. de Música, FFHA, UNSJ) por un nuevo periodo de tres años, y Elvira Josefina Rovira (también socia de la AAM) fue re-electa Consejera Consultiva.

El INM CV ganó una ayuda económica a través de una convocatoria por iniciativa del  Programa Ibermemoria Sonora y Audiovisual para la Preservación  del patrimonio. El INM presentó el proyecto Digitalización, restauración y acceso público de archivos sonoros de carácter etnográfico, realizados por el musicólogo argentino Carlos Vega y sus colaboradores entre 1931 y 1965. Una de las principales responsables de este trabajo fue la socia Lisa Di Cione quien contó con el apoyo de otros musicólogos del instituto, también socios de la AAM.

Marina Cañardo finalizó este año con el 2° premio en la categoría»Ensayo artístico» de la Secretaría de Cultura de la Nación por su obra: «Fábricas de músicas. Comienzos de la industria discográfica en Argentina (1919-1930)» (Gourmet Musical Ediciones).

 

Felicitamos especialmente a los socios mencionados y a todos los colegas de la AAM por el trabajo llevado adelante durante el presente año

Los saludamos cordialmente

CD AAM

 

El hacer local y sus voces: un concierto inédito

Festival Bahía Actual 2018. Concierto sinfónico- acusmático de apertura

 

Por María Sol Causse[1]

 

Obras:

Sueño lúcido y El sueño de la razón produce monstruos (Ricardo deArmas)

Contempla el mundo (Astor Vitale)

El sonido de las voces (Luis Rojas)

Perpetuo 2018 (Gastón Ares)

Crudo, meditación sinfónica N°2, Op.82 (Leandro Mantiñán)

 

Día y Lugar: Sábado 20 de Octubre. Teatro Municipal de Bahía Blanca

Orquesta sinfónica provincial de Bahía Blanca  

Director: Javier Logioia Orbe

Voz Solista: Irene Abreu Barceló.

Narración: Celeste Moore.

 

El acto creativo es revolucionario per se, ya que implica, invariablemente, una consecuencia que lo trasciende. Cada instancia del proceso se proyecta con una potencialidad inconmensurable. La voluntad deviene, entonces, en decisión materializada: hacer, es existir.

 

Pinta tu aldea y pintarás el mundo”, escribió Tolstoi. La conformación de un programa exclusivo y ecléctico de compositores bahienses, constituye una reivindicación de la importancia de lo local y fortalece el sentido de pertenencia. Más allá de las diferencias estéticas, en cada una de las obras presentadas se observa un generador común: el planteo de una interrogante que nos interpela y resignifica.

 

Sueño lúcido y El sueño de la razón produce monstruos (Ricardo de Armas) son puertas de entrada al universo onírico de paisajes recónditos, de manifestaciones inconscientes, fragmentadas, yuxtapuestas y caóticas, pero con cierto anclaje a lo real, propio del estado de duermevela.

 

El sonido de las voces (Luis Rojas) es la manifestación del dolor y la melancolía que acompañan a la tristeza, que se entreteje y expresa en el clima sonoro de una orquesta con fuerte presencia de cuerdas. Música altamente narrativa, que tiene mucho de pictórico. En este sentido, Contempla el mundo (Astor Vitale), tiene pinceladas de elementos folclóricos, consolidados en un todo de fuerte impronta latinoamericana.

 

El cambio frente a la permanencia. Aquello que discurre y se desintegra de manera continua. Perpetuo 2018 (Gastón Ares) es una metáfora sobre el tiempo y la eternidad, de lo que es y lo que no simultáneamente, de lo inmaterial que se diluye, de los hitos que se destacan en un acontecer irremediable a lo infinito. El juego de continuidad y disrupción discursiva está logrado a través de un minucioso trabajo de exploración tímbrica.

 

Asimismo, en Crudo (Leandro Mantiñán), la exploración se convierte en búsqueda de un clima descarnado, invasivo, lacerante, de emulación al proceso industrial que aliena y aniquila. El impecable trabajo de orquestación y el empleo rítmico representativo generan un todo sonoro que nos atraviesa y deconstruye.

 

De este modo, la experiencia que plantea un festival musical de las características de Bahía Actual, es una invitación a repensarnos en tanto sujetos inmersos en una realidad que es, inevitablemente, siempre compleja.

 

 

[1] María Sol Causse.: masol_ca@hotmail.com Nacida en Bahía Blanca en 1981. Licenciada en Teoría y Crítica de la Música (Universidad Nacional del Litoral). Diploma de honor al mérito académico 2016. Premio Randstand- Revista Punto Biz por el segundo mejor promedio provincial de las Universidades públicas y privadas de Santa Fe .Profesora de artes en Música (Conservatorio de Música de Bahía Blanca). Profesora en Lengua y Literatura (Instituto Superior Juan XXIII). Su artículo  “ El estilo compositivo de Yann Tiersen: acercamientos y diferencias con la corriente minimalista” ha sido publicado, en el 2017, por la Revista da Fundarte (Editorial de la Fundación municipal de artes de Montenegro, Brasil). Desde el año 2014 integra el centro BACIC y produce reseñas críticas de sus eventos, que se hallan en el sitio web http://bahiactual.org/category/resenas/.      Actualmente, se desempeña como docente de Literatura y Prácticas del lenguaje en el Nivel Secundario y como Profesora de Lenguaje musical y Práctica de Conjunto Vocal e Instrumental en el Conservatorio de Música de Bahía Blanca. Ha sido titular de la cátedra Expresión oral y escrita de la Carrera de Periodismo (ISCCS). Fue Integrante del Coro Schola Cantorum (perteneciente al Conservatorio de Música) y del Grupo Vocal Ars.

 

Balance actividad académica 2018

Por Diego Madoery

 

Este año que finaliza (2018) se realizaron tres congresos vinculados a la investigación en música en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata, institución en la que me formé en el grado y en la que ejerzo como docente desde hace casi treinta años. Una conjunción de situaciones casuales provocaron esta circunstancia inédita para esta facultad y probablemente para muchas de las instituciones universitarias de nuestro país: la XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y las XIX Jornadas de Musicología se realizaron por primera vez en este ámbito en el mismo año que el 2do. Congreso Internacional bianual de Música Popular, (organizado por quienes forman parte de la carrera de música popular) y las Jornadas de Investigación en Música (organizadas por el Laboratorio para el Estudio de la Experiencia Musical). La Facultad delega en los institutos/laboratorios que realizan investigación la organización de este evento académico anual. La casualidad fue que este Laboratorio se dedica exclusivamente a la investigación en música (no así otros institutos que anualmente organizan los congresos/jornadas en esta unidad académica) y también que hayamos programado el primer congreso de la AAM y el INMCV el mismo año en el que se desarrollaron estos otros dos encuentros de investigadores.

 

Se podría pensar que alguno de ellos no fue del todo satisfactorio, sin embargo tanto por la respuesta a la convocatoria de ponencias como por la asistencia de público no fue así y precisamente esto es lo que motivó esta reflexión.

 

En las XXIII Conferencia/XIX Jornadas (del 23 al 26 de agosto) se presentaron ochenta y nueve ponencias, dos conferencias, un panel y una charla que abordaron una multiplicidad de temáticas desde la música colonial en América hasta manifestaciones de la música popular actual. Quienes participamos pudimos constatar una muy buena asistencia de público (que incluyó alumnos en una semana de paro total docente) en las veintisiete mesas que se presentaron en la totalidad del congreso.

 

El 2do. Congreso de Música Popular realizado entre los días 3 y 5 de octubre reunió a cincuenta y cinco ponencias en veinte mesas y un conjunto de diez charlas/conferencias y dos mesas redondas, que abordaron tanto temáticas vinculadas a la musicología como la enseñanza de la música popular. También se trataron cuestiones de género y de la producción y el trabajo de los/de las músicos/as. Este congreso se caracterizó por una fuerte y numerosa participación de alumnos/as.

 

Las Jornadas organizadas por el LEEM los días 15 y 16 de noviembre tuvieron tres conferencias, dos talleres y catorce sesiones que incluyeron cuarenta ponencias en una diversidad temática y de perspectivas. Aquí se presentaron trabajos relacionados con la educación musical, la psicología de la música y la musicología en música académica y popular.

Es decir, que solo en la Facultad de Bellas Artes en este año se presentaron alrededor de 180 ponencias más un buen número de conferencias, charlas y talleres referidos a la música mediante diversas perspectivas de estudio.

 

A esta situación particular habría que agregar las XV Semana de la Música y la Musicología – Jornadas Interdisciplinarias de Investigación organizadas por el Instituto de Investigación Musicológica de la Universidad Católica Argentina, que estuvieron dedicadas al Tango; algunos congresos internacionales como el de IASPM-AL en Puerto Rico o el II Congreso de Etnomusicología de la Facultad de Música de la Universidad Nacional Autónoma de México, y otros tantos que no recuerdo y en los que seguramente han participado investigadores argentinos. De este modo, es posible apreciar que, a contramano de la evidente baja de presupuesto y oportunidades laborales y pérdida salarial producto del momento económico y político que estamos viviendo, la investigación en música crece y mucho.

 

En la lista de la AAM hemos debatido en algunas oportunidades en torno al desconocimiento de nuestra disciplina con argumentos relacionados a las relaciones interpersonales que cada uno entabla con la comunidad científica. Me parece que estos números aportan cierta evidencia empírica de este crecimiento que sucede en un contexto en el que  podríamos pensar que ocurriría lo contrario.

 

Asimismo, no puedo más que alegrarme de lo sucedido en la Facultad de Bellas Artes de la UNLP, institución que aprecio particularmente por la historia que me une a ella y comenté al comienzo.

 

Finalmente, me gustaría dejar una última reflexión respecto de lo observado. Existe un conjunto de trabajos/investigaciones que parecen conformar un lugar ‘gris’ entre lo que ampliamente entendemos como musicología y la educación musical cuyos conocimientos no podemos ignorar. Del mismo modo, tampoco deberíamos desconocer aquellas sistematizaciones de contenidos que las cátedras sin tradición académica de las nuevas carreras de música popular se encuentran desarrollando para su enseñanza y que se compilan en apuntes y otra diversidad de escritos no publicados ni presentados en congresos.

 

Creo que hoy más que nunca debemos incentivar/propiciar el diálogo entre investigadores, docentes, músicos y  productores para retroalimentar el conocimiento que se está generando en este campo (tal vez estoy haciendo una referencia algo sesgada por mi especialidad en los estudios de música popular). Si pensamos que este conocimiento circula solo por congresos específicos tanto sea de musicología o los propios de IASPM nos encontramos en una postura reduccionista que omite una buena cantidad de saberes que ya circulan en instituciones universitarias y terciarias de nuestro país con un diverso grado de desarrollo y sistematización. El desafío actual es poder vincular de algún modo esta abundante información para poder debatir ideas e integrar conocimientos.

 

Uno de los propósitos de nuestra asociación es “favorecer la relación de los musicólogos de nuestro país entre sí y con los del exterior, así como con aquellos investigadores de otras especialidades afines a nuestra disciplina”[i]. Invito a proponer mecanismos de diálogo que nos permitan seguir desarrollando este objetivo.

 

[i] Artículo 2, Inciso 3 del Estatuto de la Asociación Argentina de Musicología

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